Kategorie: Filmkritiken

Mit „The Eye“ war den Pang-Brothers 2002 ein beachtlicher internationaler Erfolg beschieden. Dafür dürfte nicht zuletzt die internationale Koproduktion (Hong Kong, Singapur, Groß Britannien), die unterschiedlichen Drehorte in Thailand und China sowie schließlich der Mixup aus mehreren ost-asiatischen Geisterfilm-Elementen verantwortlich gewesen sein. Hatte „The Eye“ und dessen Sequel noch auf übernatürlichen Horror zurückgegriffen, so versuchen die Zwillingsbrüder Oxide und Danny Pang in ihrem nun bei KOCHMedia erschienenen Film „Ab-Normal Beauty“ auf solche Elemente ganz zu verzichten. Die dadurch entstehende „Lücke“ vermag der Film allerdings leider nur durch Integration eines zweiten Films zu schließen.
„Laura, Dorothy, Reneé und Jiney“ weiterlesen

Slasher- und Backwood-Film passten seit jeher gut zusammen, auch wenn das Slasher-Genre noch in tiefem Schlummer lag, als John Boorman mit BEIM STERBEN IST JEDER DER ERSTE das Genre des Backwood-Films aus der Taufe hob. In seinem Klassiker wird die Hybris chauvinistischer Städter, die sich als die Gralshüter von Vernunft und Fortschritt wähnen, durch das schlechte Gewissen Amerikas bestraft, der Bevölkerung des Hinterlands, das von den Protagonisten für einen Wochenendtrip auserkoren wurde. Der Trip ins Naturidyll wird zum Albtraum.
„Der Berg ruft“ weiterlesen

Auch im unvermeidlichen Sequel zu SLEEPAWAY CAMP arbeiten die Drehbuchschreiber weiter daran, den die Genremechanismen reflektierenden Tenor des Originals beizubehalten. Wurde in BLUTIGER SOMMER – CAMP DES GRAUENS die Grundthese des Slasher-Films – Sex ist krank und muss deshalb bestraft werden – falsifiziert, indem genau das Gegenteil bebildert wurde, so widmet sich das Sequel nun dem Innenleben des eigentlichen Slasher-Protagonisten, dem psychopathischen Killer, und holt so an die Oberfläche, was im Slasher-Film lediglich Subtext ist. Dabei geht aber auch CAMP DES GRAUENS 2 den Weg aller Sequels des Subgenres und macht den Antagonisten des Vorgängers zum Protagonisten. Dies hat zur Folge, dass sich das Augenmerk des Slasher-Film-Sequels von der Frage „Wer war es?“ – der Frage des klassischen Kriminalfilms – hin zu einem „Wie wird er es tun?“ verlagert. Mit dieser Entwicklung geht zunehmend eine Fragmentierung der Handlung einher: Eine Geschichte im klassischen Sinn wird nicht mehr erzählt, vielmehr werden einfach mehr oder weniger spektakuläre Mordszenen lose miteinander verbunden. Diese Entwicklung ist auch in CAMP DES GRAUENS 2 zu beobachten, der sich strukturell nahtlos in sein Genre einfügt.
„Portrait of a Serial Killer“ weiterlesen

BLUTIGER SOMMER – DAS CAMP DES GRAUENS ist ein Vertreter der zweiten, schon abebbenden Welle des Slasher-Subgenres, jenes Genres, in dem promiske Teens für ihr sündhaftes Treiben von einem puritanischen Killer bestraft werden. Zur ganz großen Popularität eines FREITAG, DER 13. oder HALLOWEEN hat es zwar nicht gereicht, doch immerhin brachte es auch diese Reihe auf zwei Sequels (ein weiteres ist derzeit angeblich in Planung). Erzählt wird die Geschichte Angelas, die als Kind bei einem tragischen Unfall ihren Bruder verlor. So suggerieren es wenigstens die Bilder, die man zu Beginn des Films – genretypisch – als Rückblende dargereicht bekommt – der Kenner weiß diese Rückblende als Genese des Killers zu interpretieren. Acht Jahre später wird die neurotische, wenn nicht gar autistische Angela von ihrer Ziehmutter, der sich affektiert gebärdenden Tante, zusammen mit ihrem Cousin Ricky ins Camp Arawak verfrachtet. Schon während der Creditsequenz macht eine Kamerafahrt durch das entvölkerte Camp, die auf einem Schild mit der Aufschrift „For Sale“ endet, klar, dass dieser Urlaub ein böses Ende nehmen wird. Die Zeichen verdichten sich, die Mordserie lässt nicht mehr lange auf sich warten. Die Opfer haben alle eines gemeinsam: Kurz vor ihrem Tod trieben sie ihre bösen Scherze mit Angela, die aufgrund ihres zurückhaltenden und schüchternen Verhaltens bald schon zum Gespött des Camps wird. Ist sie der Mörder? Und wenn ja: Was ist der Hintergrund ihrer psychischen Disposition?
„Coming-out“ weiterlesen

Serienmord und Medien gehören untrennbar zusammen. Nicht nur, weil der erste moderne Serienmordfall – der Jack the Rippers – nur werden konnte, was er war, weil zum ersten Mal die Boulevard-Presse über ihn berichtete; auch weil es die Medien überhaupt sind, die der Öffentlichkeit den Zusammenhang stiften, der aus Einzeltaten eine Mordserie macht. Der Begriff Serienmord existiert also in zwei Sphären: Zum einen in der Welt der Kriminologen und Kriminalisten, die streng differenzierbare Kriterien zum Erkennen und Methoden zur Ergreifung des Täters suchen, zum anderen als Diskurs in der Öffentlichkeit, initiiert durch Berichterstattung, angereichert mit Mythen, Vorurteilen und Ängsten. Als der Serienmörder Pedro Alonzo López 1980 gefasst wurde, war der Aufschrei über seine Taten (hunderte ermordete Kinder in Peru, Bolivien und Equador) enorm. Doch wie schon der finguierte Killer in „Antikörper“ richtig feststellte: nachhaltiges Medienecho blieb dem Fall López verwährt, während über Jack the Ripper immer noch eifrig spekuliert wurde. Der ecuadorianische Filmemacher Sebastián Cordero hat nun Abhilfe geschaffen und scheinbar einen Film über López gedreht – scheinbar.
„Stunde der Unwahrheit“ weiterlesen

Menschen vergessen schnell. Nein, schlimmer: Unliebsames verdrängen, das Gute erinnern sie. Das gab es im großen Rahmen zu Anfang der Bundesrepublik. Doch war das Verdrängte so ungeheuerlich, dass der empörte Aufschrei der folgenden Generation das Schweigen zerriss. Nach der Abwicklung der zweiten deutschen Diktatur setzte ein ähnliches Phänomen ein. Nach einer Dekade Vereinigungskater erschien das Land der grenzenlosen Beschäftigung nicht nur den ewig Gestrigen als eine tolle Sache. Neben der Ostalgie, die immer nur Pendant zu westlicher Nostalgie war, kamen die populären Klamaukfilme, am erfolgreichsten Good Bye Lenin!. Sie versuchten nicht einmal den Arbeiter- und Bauernstaat verächtlich zu machen, sondern erschöpften sich bereits in ihrem Gagrepertoire. Stattdessen gaben sie der ersten gesamtdeutschen Generation ihre „Zone“, ein kurioser Käfig voller sächselnder Kommunisten, die im Trabi zur wertlosen Witzarbeit im volkseigenen Betrieb fuhren und im Konsum die Wahl zwischen Scherzartikeln mit ulkigen Namen wie Spreewaldgurken und Club-Cola hatten. Die „Zone“, zu der man sich nun auch als ihr Kind bekennen konnte, wurde Kult.
„Die andere DDR“ weiterlesen

Als André Gide 1893 mit der Mise-en-Abyme erstmals jene rahmensprengende Darstellungsfigur im Drama beschrieb, ahnte er wohl kaum, dass er damit den Grundstein für das, was heute allgemeinhin als postmoderne Ästhetik bezeichnet wird, gelegt hat. Seither verweisen Medien nicht mehr nur zufällig auf sich selbst und ihren Charakter der Künstlichkeit, sondern fordern durch „Rahmenüberschreitung“ den Zuschauer geradezu dazu auf, über das Wesen von Wahrheit, Fiktion und deren Verhältnis zueinander nachzudenken. War aber das Durchschreiten der „vierten Wand“ für das Theater (also dessen Schauspieler) physisch jederzeit möglich (und ist heute vielleicht noch das einzig verbliebene und arg überstrapazierte Mittel theatralischer Kunstfertigkeit), war dem Film durch seine raumzeitliche Abwesenheit vom Darstellungsort eine technische Schranke gesetzt. Mise-en-Abymes, das zeigt der jetzt erschiene Kurzfilm von Björn Last gleichen Titels, sind hier jedoch nicht nur ebenso möglich, sondern wesentlich facettenreicher inszenierbar.
„In Celluloid we trust!“ weiterlesen

Der europäische Science-Fiction-Film hat es immer schon ein wenig schwerer gehabt, gegenüber der mächtige Konkurrenz aus den USA zu bestehen. Das liegt zum einen an den wesentlich kleineren Budgets, die den Produktionen hier zur Verfügung stehen – andererseits genießt das Genre diesseits des Atlantiks aber auch nicht dieselbe Beliebtheit bei der Produktion wie in den USA. Während Science Fiction dort häufig ein beliebtes Vehikel zum Transport von Ideologie, Mythologie und Utopismus ist, gerieten die ernstzunehmenden Beiträge aus Europa häufig zu mehr auf die Gegenwart bezogenen, dystopischen und sozialkritischen Werken. Peter Fleischmanns „Es ist nicht leicht ein Gott zu sein“ steht in dieser Tradition und vereint die „manpower“ deutscher und französischer Produktion mit russischer Autorenschaft und dem unvergleichlichen Setting des Landes jenseits des Urals.
„Götter sind auch nur Menschen“ weiterlesen

In seiner bitteren Splatter-Comedy „Cabin Fever“ hatte Eli Roth 2002 bereits vorgeführt, dass sich Horror perfekt als Kritik an Zivilisation und Individuation benutzen lässt. Das Blut, das den verwöhnten Großstadt-Teenager seinerzeit gleich literweise aus ihren verfaulenden Körpern geflossen ist, wurde zum Synonym einer in der Barbarei (dem filmischen „Backwood“) völlig wertlosen Substanz. Am Ende hieß es reichlich sarkastisch: „Töte um zu leben“. Diese Maxime verkehrt Roth in seinem neuen Film „Hostel“ ins Gegenteil. Zum Lachen der Film jedoch nicht mehr, denn um nichts weniger als die Barbarei der Zivilisation selbst geht es, einer Zivilisation, die buchstäblich ihre eigenen Kinder frisst.
„Im Osten nichts Erfreuliches“ weiterlesen

Doppelgänger sind seit der Literatur der Romantik ein dankbares Motiv um Grusel einerseits, Reflexion über die Sicht auf das Selbst andererseits zu evozieren. Man denke nur an E.T.A. Hoffmanns „Der Sandmann“ als literarisches oder Paul Wegeners „Der Student von Prag“ als filmisches Beispiel. Der Doppelgänger fungiert als jemand, der aus der Vergangenheit wieder auftaucht, Unheil mit sich bringt und Böses tut – in Wolfgang Bülds neuem Film „Twisted Sisters“ erfüllt die Doppelgängerin gleich beide Funktionen – allerdings ohne jede Originalität – und jongliert darüber hinaus noch mit völlig überkommenden Motiven weiblicher Phallizität.
„Die Frau hat keinen Phallus …“ weiterlesen