Kategorie: Filmkritiken

Dem Diktum Hitchcocks, dass ein Film auf das gesprochene Wort zugunsten der Bilder möglichst verzichten sollte, scheint das moderne Effektkino relativ nahe zu kommen. „Das Schweigen der Bilder“ weiterlesen

Nachdem der Actionfilm mehrere Jahrzehnte brauchte, um schließlich in den Achtzigern als eigenes Genre wahrgenommen zu werden, versank er nur ein Jahrzehnt später schon wieder in der Versenkung. „Am Ende einer Ära“ weiterlesen

Die Kamera rückt dem Stripclub-Besitzer Cosmo Vitelli der Hauptfigur von Cassavetes „Mord an einem chinesischen Buchmacher“, so dicht auf den Leib, dass über weite Strecken unklar bleibt, mit wem er redet oder wo er sich bewegt. „Zwei Filme von John Cassavetes“ weiterlesen

Es ist fast seltsam, wie produktiv das asiatische Gruselkino nach den nunmehr beinahe zehn Jahren, die es hier im Westen rezipiert wird, immer noch ist. Vor allem Korea und Thailand tun sich in den letzten Jahren mit Produktionen hervor, die die Muster des „J-Horror“ gekonnt adaptieren und variieren und zwar scheinbar immer dieselbe Geistergeschichte erzählen, dies jedoch mit einer sich stetig perfektionierenden Ästhetik. Die Variation der Themen mag sich dabei mehr und mehr auch an das westliche Publikum richten – den markanten narrativen Einschlag, der zumeist von Themen der persönlichen Vergangenheitsbewältigung handelt, verlieren aber auch die jüngsten Filme nicht. Die Pang-Brothers, die in der Vergangenheit für mehrere Werke aus Thailand als Produzenten und Regisseure auftraten, haben mit „Re-Cycle“ nun versucht, den Geisterfilm mit dem Fantasy-Film zu paaren. Und auch hier verschmelzen Erzähltradition und ästhetische Innovation aufs Beste.

„»Jeder hat etwas, das er vergessen will.«“ weiterlesen

Die Selbstreflexion von Genrekonventionen beschleunigt sich zusehends. Vor allem Horror- und Terrorfilm haben in den letzten Jahren kaum noch Zeit, neue Ideen weiterzuentwickeln bevor sie selbst zum Inhalt einer Idee werden. Der zum Ende des letzen und zu Beginn dieses Jahres reüssierende so genannte Torture-Porn (HOSTEL, THE HILLS HAVE EYES, SAW II), der seine Protagonisten der handfesten Zivilisationskritik auf vielfältige Weisen durch barbarische Horden ausgesetzt hatte, erfährt nun nach besonders kurzer Halbwertszeit in „Severance“ seine Transzendierung.
„Soldaten sind auch nur Mörder“ weiterlesen

Hochstapler, Heiratsschwindler und Trickbetrüger sind – zumindest im Spielfilm – schillernde Figuren, ja, manchmal sogar Helden. Wer erinnert sich nicht an die Kapriolen aus Frank Oz’ “Dirty Rotten Scoundrels” oder Spielbergs “Catch me if you can”? Dass das wahre Leben ganz anders ist, dass die Opfer von Betrüger häufig finanziell und psychisch ruiniert sind und die Täter nicht selten massive psychische Probleme haben, die sie – ganz anders als die Gentlemen-Ganoven in den Filmen – zu ihren Taten zwingen, ist eine selten ins Bild gerückte Tatsache. Alexander Andolphs neuer Dokumentarfilm “Die Hochstapler” schickt sich an, dies zu ändern und den wahren Tätern ein Gesicht und eine Geschichte zu geben. Leider kommt dabei unterm Strich die selbe Glorifizierung wie in den fiktionalen Beiträgen heraus.
„»Ein Betrüger glaubt nichts«“ weiterlesen

Ein kleiner Junge, der mit einem Zauberschwert ausgestattet den Kampf gegen einen finsteren Bösewicht und dessen Maschinenmonster aufnehmen muss; eine Armee guter Geister aller Formen und Gestalten; ein puscheliges Wieselwesen, das die Ewoks an Niedlichkeit weit in den Schatten stellt; magische Bohnen, eine stille Familiengeschichte und eine Schlacht, bei der es um nicht weniger als das Ende der Welt geht – und nicht zuletzt eine Liebesgeschichte. Ein wenig „Der Herr der Ringe“ und „Terminator“, ein Schuss „Ghostbusters“, ein bisschen „Peter Pan“ und „The Sixth Sense“ und das alles im Gewand eines (zumindest in Japan) kinderfreundlichen Abenteuerfilms mit deutlichen Mangaelementen: Das ist Takashi Miikes „Krieg der Dämonen: The Great Yokai War“, ein Ausflug des vielseitigen und arbeitswütigen Regisseurs ins Big-Budget-Kino, bis zum Bersten mit Ideen, Bildern und Plots vollgestopft und für den europäischen Zuschauer trotz größter Zugänglichkeit mehr als rätselhaft.

„Kinder und Betrunkene sagen die Wahrheit“ weiterlesen

Derzeit treibt eine Debatte die Feuilletons um, die den Anschein erweckt, als wäre sie notwendig: Es geht um Folterdarstellungen in Filmen wie „Hostel“, „The Hills have Eyes“ oder „Saw 2“ – Werke des Serienmörder- und Horror-Genres, die allesamt in diesem Frühjahr zu sehen waren. Gegenstand der Debatte über diese Filme ist die Frage, ob man es mit einer Reaktion auf die real existierenden Folterbilder aus Abu Ghraib und Guantanamo zu tun habe, ob die Folterfilme vielleicht – wie Boris Groys das angedeutet hat – Gegenstand eines Bildertausches zwischen den folternden Kulturen sein könnten. Die Relevanz dieses Disputes ist schon allein deswegen nicht von der Hand zu weisen, weil der Disput stattfindet – weil er offenbar stattfinden muß. Und nun wird er wohl durch einen weiteren Film angeheizt, der aus einer ganz anderen Ecke der Welt kommt: „Wolf Creek“ ist das Erstlingswerk des Australiers Greg McLean und handelt von einem Serienmörder im Outback.

„Der Film ist des Menschen Wolf“ weiterlesen

Die Filme Kim Ki-duks erfreuen sich wahrscheinlich vor allem deshalb einer wachsenden Popularität, weil sie „versöhnlich“ sind. Der erst seit wenigen Jahren filmschaffende Süd-Koreaner thematisiert in ihnen immer wieder Konflikte, wie sie die Gesellschaft oder den Einzelnen bestimmen: Liebe versus Hass, Glück versus Leid, Einsamkeit versus Gemeinschaft, Spiritualität versus Existenz – und immer wieder: Tradition versus Moderne. Denn gerade letzteres ist ein Thema, welches auch die Gesellschaft Kims nachhaltig kennzeichnet: Südkorea ist eines der am stärksten prosperierenden Länder der Welt und wurzelt dennoch – wie viele ostasiatische Kulturen – tief in einem spirituell-religösen Fundament. Konflikte scheinen also nicht nur vorprogrammiert, sondern geradezu paradigmatisch in einer solchen Gesellschaft zu sein. In Kims Filmen konfligieren die Widersprüche jedoch nicht um eines Sieges des einen über den anderen willen; er führt Kontradiktionen als nur scheinbar, nur von der jeweiligen Warte aus gesehen unauflösbar vor und stellt ihnen ein Drittes anbei, das nicht selten als Synthese beider zu verstehen ist.
„Das Herz hat seine Gründe …“ weiterlesen

Seit ein paar Jahren überrascht das dänische Kino mit einigen Produktionen aus dem Mittelfeld, die überaus gelungene Variationen von Genremotiven mit starken Schauspielern vorführen. Zuletzt konnte man mit „Pure Hearts“ einen abseitigen Roadmovie bewundern, bei dem ein neurotischer Protagonist einer Filmdiva aus Schwarzweißfilmtagen auf der Spur ist. Zuvor hat Anders Thomas Jensen mit seiner Kannibalismus-Satire „Dänische Delikatessen“ zwei erfolglose Schlachtereiladenbesitzer durch den Verkauf von Menschenfleisch zu Ruhm kommen lassen. Von Jensen stammt nun auch „Adams Äpfel“, der auf den ersten Blick den Weg eines Rechtsradikalen zum Gottesglauben nachzeichnet.
„Lebenslügen“ weiterlesen

„Qualität statt Quantität“ ist ein Leitspruch, der aus dem Handbuch des erfolgreichen Exploitationfilm-Produzenten garantiert mit dickem roten Strich ausgestrichen wurde, denn statt der Dezenz gilt für ihn meist eher die Devise des „Doppelt gemoppelt hält besser“. „Maske gegen Muskel“ weiterlesen

Wie jede Revolution – und sei sie auch noch so permanent – hat auch die sexuelle Revolution durch ihre Verschiebung des Status Quo zu einer Normalisierung des zuvor „Transgressiven“ und damit zur Entwicklung einer neuen kulturellen Selbstverständlichkeit geführt. Die Individuen sind jedoch nicht alle gleich schnell in der Lage, sich auf diese Selbstverständlichkeit einzulassen und es scheint, je weiter sie von der revoltierenden Generation entfernt sind, desto schwieriger ist die Akzeptanz des Neuen. Der Sexfilm der 1970er Jahre hab nur wenige Jahre nach der sexuellen Befreiungsbewegung der 60er daher nicht nur gezeigt, inwiefern das damalige „Spießertum“ versucht hat, die Geschehnisse kulturell umzudeuten. Dass die Regisseure der Elterngeneration die Agenda der Jugend so absichtlich „falsch verstanden“ haben, offenbart auch, welche Schwierigkeiten sie damit eigentlich hatten. Bereits 1969 führte Michael Verhoeven diese Schwierigkeiten in einem „kleinen Generationenkonflikt“ vor, bei dem er einen Mittdreißiger an den neuen sexuellen Selbstverständlichkeiten verzweifeln ließ.

„Die Revolution frisst ihre Kinder“ weiterlesen

In den USA schreibt das so genannte Zoning-Gesetz u. a. vor, dass Häuser in Abhängigkeit ihrer Größe einen bestimmten Abstand zur nächstgelegenen Straße einhalten müssen. Das Wort „Zoning“ klang Mitte der 1980er Jahre für den deutschen Regisseur Ulrich Krenkler wohl futuristisch genug, um einen dystopischen Thriller darum herum zu gestalten. Sein Film „Zoning“, dem damals leider nur sehr wenig Erfolg beschieden war, wirkt aus der heutigen Perspektive und mit ausreichendem historischem Abstand wie ein Markstein der filmästhetischen Möglichkeiten zwischen untergehendem Autorenfilm und aufkommender Breiten-Unterhaltung

„»Große Systeme versklaven kleine Systeme.«“ weiterlesen

Die Themen Kochen und Essen sind ein für den Film besonders dankbare Motive, weil sie es ermöglichen an synästhetische Erfahrungen des Zuschauers in Bildern und Tönen anzuknüpfen und auf diese Weise zwei weitere Sinne mit anzusprechen. Wenn zur Oppulenz festlicher Mahlzeiten und deren Zubereitung, die auf eine filmgeschichtlich lange Tradition zurückblicken kann, auch noch die Zutaten ins Bild rücken, stellt sich nicht selten ein Farben- und Formenspiel besonderer Eindringlichkeit ein. XXXs Film „The Mistress of Spices“ erzählt von der indischen Küche und ins besondere von den in dieser Küche reichhaltigen Gewürzen und verbindet dieses Thema mit einer sozialen Frage.
„Melanche“ weiterlesen

Anlässlich eines unfreiwilligen Bewerbungsgesprächs beim mysteriösen „Syndikat“ lernt der dreifach vorbestrafte Franz (Rainer Werner Fassbinder) den mehrfachen Mörder Bruno (Ulli Lommel) kennen. Flugs wird der in die Münchner Wohnung eingeladen, wo er sich bei Franz und dessen Geliebter, der Prostituierten Johanna (Hanna Schygulla), einquartiert. Die Spannung zwischen den Dreien entlädt sich in einer komplizierten Dreiecksbeziehung und dann auch in diversen Morden, bevor die unheilvolle Freundschaft schließlich in einem geplanten Banküberfall kulminiert …

„Räuber (und Gendarm)“ weiterlesen